miércoles, 5 de septiembre de 2012
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la Historia de la Música
La Historia
de la música es el estudio de
las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de
manifestación musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y
épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se
ha utilizado la expresión historia
de la música para referirse a
la historia de la música Europea y su evolución en el mundo occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros
aspectos de la cultura, como la organización económica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y
su relación con los oyentes, las ideas estéticas más
generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte en la sociedad,
así como las variantes biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba
presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por
el planeta, hace más de 50.000 años.1 Es por
tanto una manifestación cultural universal
Música en la
Prehistoria
Artículo principal: Música
en la prehistoria.
Danza
de Cogul (provincia
de Lérida). En esta pintura rupestre varias
mujeres danzan alrededor de un hombre desnudo. Los ritos asociados con danzas y
ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las culturas prehistóricas.
Se ha demostrado
la íntima relación entre la especie humana y la música, y mientras que algunas
interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades
intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una
función de finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la
relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.2
Para el hombre
primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte:
el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta
doble clave. En el llamadoarte
prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida
mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre
primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió
a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para
producir sonidos.
Hay constancia de
que hace unos 50 siglos en Sumeria ya
contaban con instrumentos de percusión y cuerda(lira y arpa). Los cantos cultos
antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la
música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor
del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada
principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las
manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus
sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de
distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros
instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían
producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
a) Autófonos:
aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están
construidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por ejemplo.
b) Membranófonos:
serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre.
Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un
recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos:
de cuerda, el arpa.
d) Aerófonos:
el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de
los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con
un hueso con agujeros.
[editar]Mundo Antiguo
(5000 a. C. – 476)
Artículo principal: Música
en la Antigüedad.
[editar]Antiguo Egipto y Mesopotamia
La música en
Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes,
en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó
con instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el
arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En
Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio,
acompañaban al monarca no sólo en los actos de culto sino también en las
suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los
instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia
es considerada origen de la cultura musical occidental.
[editar]Antigua Grecia
Escena
de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la
cultura indo-griega. Era habitual encontrar a un músico tocando unasiringa o similar. Anciet Orient Museumde Tokio.
En la Antigua Grecia, la música
se vio influenciada por todas las civilizaciones que la rodeaban, dada su importante
posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o
incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas
como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al
valor educativo y moral de la música. Por ello está muy relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados
de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de
la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la
música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la
época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera
«una medicina para el alma», yAristóteles la utiliza
para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente
aparece en Atenas el ditirambo, cantos
dirigidos a Dionisos,
acompañados de danzas y el aulos,
un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera
combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía.
Euterpe con unaflauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.
Los principales
instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, elaulos,
la siringa (una flauta de pan), varios tipos de tambores
como por ejemplo el tympanon (siempre
en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas.
[editar]Antigua Roma
Roma conquistó
Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas culturas se
fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la
manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la
música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o
famosos, añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones.
Estos músicos vivían de una manera bohemiarodeados siempre de
fiestas.
En los teatros romanos o anfiteatros se
representaban comedias
al estilo griego. Los autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo
trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un
papel trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la
fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran
unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae,
una especie de aulos. Los romanos intentan imitar estos artes y
añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que
significa bailarines en etrusco. Ninguna música de este estilo
ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio.
Cuando el imperio
romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerablemente la
cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y las que
provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguos estilos
como la citarodia(versos con cítara) y la citarística (cítara
sola virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta
disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma valorara institucional y
culturalmente a la música.
[editar]La música en la
China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china
Artículo principal: Cultura de China.
Representación
de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional china.
Desde los tiempos
más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las
dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está
impregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las
filosofías más antiguas del mundo.
En el teatro chino
tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a todas las
representaciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre
han sido concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto
histórico de cada momento, con su estética correspondiente.
Los chinos deben
haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sin necesidad
de Fengs humanos ni mitológicos, sin arrullos de olas ni
enviados al Olimpo chino. Como cosa natural debieron haber relacionado las
distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos que en estos se
obtienen. No es raro, tampoco, que les hayan aplicado la relación 3:2, dado que
ésta tenía para ellos un valor simbólico. armonizar el cielo con la tierra.
Un sistema musical
"representa el inventario de sonidos de que se vale una música, la altura
y distancia de sonidos musicales entre sí". Si ubicamos que corresponde a
una quinta justa, un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. Este
principio se denomina cíclico, porque el total de sonidos que integra la escala
repertorio, se va generando por una constante matemática en las longitudes de
los tubos que integran el sistema. Musicalmente se manifiesta por intervalos de
quinta justa al ascender y de cuarta justa al descender.
§
Representación de
una cadencia típica en la música china.
La explicación
acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. Si
soplamos con fuerza en un tubo cerrado, correspondiente, por ejemplo, a Fa4 se
obtendrá una quinta justa superior, es decir Do5. Pero este Do5
también se puede obtener soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios
de la longitud del primero.
Al cortarse un
tercer tubo, que mida dos tercios de Do5 se obtendrá una
quinta justa superior a Do5, es decir, Sol5. Como este
sonido está muy alejado de huang-chung, se duplica su longitud y se
obtiene Sol4, dado que la relación doble corresponde a la octava.
Pero los teóricos
chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo Sol4, cortando un tubo
que midiera cuatro tercios de Do5.
Trabajando así, y
siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios, llegaron
a la escala de los 12 lu, con la cual se alcanza la octava. No la octava justa,
por cierto, ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. Obtuvieron
entonces, una escala dodecafónica de temperamento desigual.
El peligro de esta
escala cíclica es que, por más precauciones que se adopten, las fracciones se
hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Si otorgamos
el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el
principio cíclico (2/3 - 4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con
fracciones, y cada vez se hacen más complicadas las ecuaciones a realizar: 81
- 54 - 72 - 48 - 64 - 42,666 - 56,888 - etc., meros lu para su escala
usual.
§ 
Sistema tonal
chino tradicional.
En el
s.IV a. C. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para
alcanzar la octava, es decir, intentaron el temperamento igual, pero solo en el
año 1596 el Príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio
equivalente al temperamento igual.
Para que la
afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal,
materiales más durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas
constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce
lajas, luego se añadían seis más. Los litofonos no eran instrumentos melódicos
propiamente dicho, sino puntos de r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto)
y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-i(instrumentos) y chia-chung (canto).
Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzas específicas.
Los litófonos de
doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferior
correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a los lu
pares (principio YIN, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección
en sí mismo pues de él depende todo el sistema, es la fuente de origen del
mismo, es el sistema en potencia. Por eso a la hilera impar le correspondía el
principio YAN.
Cada vez que un
tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el femenino esposa.
Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo femenino es la
madre y el masculino el hijo.
Los cinco primeros
sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica, pentatónica
anhemitonal (sin semitonos).
Desde el año 1300 a. C.
se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde cinco transposiciones
modales, o sea que tomando como tónica cada uno de sus sonidos, el número
teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es de 60 modos
pentatónicos, y 84 si se trata de escalas con piens. Este número de
escalas posibles variaba también según las dinastías, y asimismo variaba el
número de escalas reales empleadas.
[editar]Edad Media (476–1500)
Artículo principal: Edad Media.
Artículo principal: Música medieval.
Artículo principal: Música de la Edad Media de España.
Artículo principal: Compositores medievales.
Los orígenes de la
música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del
periodo tardío romano. La evolución de las formas musicales apegadas al culto
se resolvió a finales del siglo VI en
el llamado canto
gregoriano. La música monódica profana
comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima
expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores ytroveros, junto a los minnesinger alemanes.
Con la aparición en el siglo XIII de
la escuela
de Nôtre-Dame de París, la polifonía alcanzó un
alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el
llamado Ars Nova, que
constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el
proceso que culminó en la música
del Renacimiento.
[editar]La música en la
Iglesia católica primitiva
Artículo principal: Rito
litúrgico católico.
Constantino otorgó
libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán hacia el año
325 d. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. Estos
cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los
estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los
criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales. Cabe
recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con
Europa. Los Salmos son
cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo
Testamento dentro del Libro de los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de
tradición helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en
una melodía cantada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de
ningún tipo, las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios
del segundo milenio.
En un documento
escrito por Plinio
el Joven con la intención de informar al emperador Justiniano acerca de
las costumbres de los cristianos, encontramos una interesante referencia de su
música: «...ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un día
específico al alba, para alabar a Cristo como si de un dios se
tratase, con un canto alterno».
El canto alterno
es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una estrofa
y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede cantar
con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
San
Ambrosio, Obispo de Milán, introdujo en Antioquía cánticos en
forma de antífona. Compuso a la vez himnos. Sus himnos junto con otros ya
existentes pronto se propagaron por toda Italia. Debido a las frecuentes
amenazas contra el Imperio
romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran
agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las
mismas en cada región.
[editar]El canto gregoriano
Artículo principal: Canto gregoriano.
El canto
gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Es utilizado como
expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión
religiosa. Las principales características generales de este estilo musical son
las siguientes: normalmente son obras de autor desconocido, son cantadas solo
por hombres, monódicas cantadas a capella sin
ornamentos instrumentales, son obras escritas en latínculto, el ritmo es libre, el ámbito de
su interpretación es reducido a pocas personas, la melodía se mueve grados conjuntos y los
llamadosocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos
y por ello son cantos austeros.
Estos cantos
monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en el
que son interpretadas, según el incipit literario
pueden ser himnos, salmos, cánticos de alabanza, etc.; según el modelo de
interpretación, si son de tracto solista o congregatorio, antifonal
(alternación de dos coros), responsorios de solista y coro o de estilo coral
directo.
Otros tipos de liturgia
§ Ambrosiana o milanesa:
canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye en el canto
gregoriano que será el nuevo canto oficial.
§ Mozárabe:
canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdoba,
Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano,
menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio
canto, como fue la ciudad de Toledo.
§ Galicano: canto propio de
la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
[editar]Véase también
[editar]Renacimiento (1500–1600)
Artículo principal: Música
renacentista.
Artículo principal: Compositores del Renacimiento.
[editar]Escuela flamenca
Es en la región
flamenca (Países
bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía recibió un
mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los
músicos de Flandes pronto se
distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una inspiración
cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por
parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de
Europa. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se
vio, además, potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde
fue creada una gran cantidad de schola cantorum.
Ya para finales de
siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien se dice salvó
a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres. Aunque de
nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a
más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso
del semitono. Se dice que Des
Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el
comienzo de una gran libertad para los compositores.
[editar]Música renacentista francesa
La Chanson, música
de tipo cordal que desembocará en el Madrigal. En él destacan Pierre
Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores
son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter
enormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe
la naturaleza y resalta la expresión del texto; uno de sus exponentes es
Clement Janequin. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte.
Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla, parloteo de
mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si
quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
El canto de la
reforma Religiosa se aplican a melodías de canciones populares y se utiliza para
el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas.
Calvino utilizó
ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces.
[editar]Música renacentista italiana
La música italiana
se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como:
Adrían Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico
holandés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro
de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en
singular), eran canciones estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro
voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono
con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta,
el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar
cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento.
Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron
italianos. La contrapartida religiosa de la frottola fue la lauda.
Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con
instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte
silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior llamada música
[editar]Música renacentista inglesa
En la música del
renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desempeñó un
papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John
Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
[editar]Música renacentista alemana
Durante el siglo
XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a
cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra
contra el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían
una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros,
no era permitido componer en alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia,
por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra, y las artes
florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en destacarse estánEsaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz, aunque éstos no escribieron la música religiosa en
alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastían Bach y Diderik Buxtehude.
[editar]Música renacentista española
Como en las
letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la
música española. Destacan las obras de los compositores Tomás
Luis de Victoria, Cristóbal
de Morales y Francisco
Guerrero.
La música durante
el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe, incluso el
mismo Alfonso X «el Sabio»
compuso lascántigas bajo la
influencia árabe, ya que era un gran admirador de su cultura; entre las obras
más importantes del renacimiento se destacan: El Cancionero
de Palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II
de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en
cifras paravihuela de Alonso Mudarra, los
compositores Luis de
Narváez, Gaspar Sanz y
el madrigalista Juan del Encina.
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